Nombres prestados del POP

Muchas han sido las bandas que han bautizado su formación tomando el nombre de una canción o de un álbum, dando así pistas a sus seguidores de cuáles pueden ser sus influencias de base y de donde puede venir su inspiración y su devenir musical. Vamos a ocuparnos de repasar algunas de estas bandas.

Empezando, por ejemplo, por los Rolling Stones. Según las traducciones, “rolling stone” viene a ser algo así como “bala perdida”, o “culo inquieto”, aunque su significado literal es “canto rodado”. Pues bien, este es el título de una de las más famosas canciones del gran Muddy Waters , revisada por inumerables intérpretes. Hablando de stones, Charlie Watts y Ron Wood participaron en el proyecto paralelo Willy And The Poor Boys. Pues bien, este nombre es el título de un álbum de Creedence Clearwater Revival , de 1969. Otra banda que tomó prestado su nombre de una canción de la Creedence –y además del mismo disco anterior-, fueron Fortunate Sons , banda de los ex-Flamin’ Groovies y ex-Barracudas Robin Wills y Chris Wilson, que grabaron un par de discos a mediados de los años 80 .

 

“Deep Purple” es el título de un antiguo clásico del jazz, registrado entre otros por Chet Baker , Screamin’ Jay Hawkins o Duke Ellington . Ritchie Blackmore y compañía formaron una legendaria banda a finales de los 60 con este nombre.

También Dr. Feelgood , la banda de Wilco Johnson y Lee Brilleaux formada en 1981, toma su título de una canción de Johnny Kid & The Pirates, del mismo nombre que la célebre canción de la diosa del soul, Aretha Franklin , de 1961. Del título de un album y de una canción de otro grande de la historia, David Bowie , se gestó el nombre de Diamond Dogs , la banda sueca de rock and roll, que tomó el nombre de esta obra de Bowie de 1974 con la que empezaba a dar carpetazo a su etapa más glam.

Matchbox fue una banda rockabilly que tuvo un gran boom en el final de la década de los 70 y principios de los 80 gracias a su tema más conocido, “Rockabilly Rebel”. El nombre del grupo era un homenaje a unos de los padres del rockabilly, Carl Perkins, autor del conocido tema que le daba nombre a la banda.

Roxy Music ha inspirado también con alguna de sus canciones la nomenclatura de alguna que otra banda. Es el caso de Ladytron, que responde a una canción que compuso Brian Ferry para el primer trabajo de Roxy Music en 1972. Cabe señalar que, actualmente, hay dos bandas surgidas en la década de los 90 con el nombre Ladytron, aunque la más conocida sea la de Liverpool, que practica un rock-electrónico y que tienen dos trabajos en el mercado, mientras que la otra banda sí hace honor al origen de su nombre, practicando un indie-rock con reminiscencias glam.

De una canción de P.I.L han tomado prestado el nombre los neoyorquinos Radio 4 , grupo de indie-rock formado a finales de la década de los 90, que n sé si existe todavía. Ni me importa, vaya.
 
Aunque no es tomado directamente del título de una canción, digamos que A Certain Ratio tomaron su nombre del texto de una canción de Brian Eno , en concreto, de “True Wheel”, tema incluído en el LP “Talking Tiger Mountain By Strategy”, de 1974.

De una canción de Leonard Cohen tomó su nombre Sisters of Mercy , una de las primeras bandas británicas de gothic-rock, surgida a principios de la década de los 80. Dicha canción fue grabada por Judy Collins en 1967 antes que por Leonard Cohen.

La banda pop escocesa Deacon Blue , que tuvo su momento a finales de la década de los 80 y principios de los 90 se inspiraron para bautizarse en “Deacon Blues”, tema compuesto por los californianos Steely Dan y que formó parte en 1977 de su mejor álbum, “Aja”.

Los considerados “Clash irlandeses”, Stiff Little Fingers , nacen en Belfast en pleno auge punk de una cancion del primer LP de sus contemporáneos Vibrators , “Pure Mania”, publicado en 1977.

StiffLittleFingers

Guiñando a The Vibrators

Los bostonianos Gigolo Aunts se bautizaron en 1986 siguiendo una sugerencia del padre de David Gibbs, el vocalista. Dicha sugerencia era el título de una canción del LP “Barret”, de Syd Barret, de 1970.
 
Lemmy, el líder de Motörhead , militaba como bajista en la banda de rock duro-progresivo Hawkwind a principios de los años 70. En 1975 fue arrrestado en Canadá por posesión de drogas y fue expulsado del grupo. Fue entonces cuando formó Motörhead , nombre tomado de una de las últimas canciones que escribió con Hawkwind , publicada originariamente como cara B del single “ Kings of Speed”.

La banda de Chicago Urge Overkill saltó a la fama internacional por su versión de “Girl, you’ll be a woman soon”, de Neil Diamond , que bailaba Uma Thurman en “Pulp Fiction”. Después de eso, poco más se supo de ellos. Pues bien, su nombre lo tomaron de la letra de “Funkentelechy”, canción de Parliament publicada en “Funkentelechy Vs. The Placebo Síndrome”, album de 1977.
Los anglo-americanos The Barracudas homenajearon a lo largo de su carrera al garage-rock desde el mismo momento de su bautizo, ya que tomaron el nombre de la canción “Barracuda”, incuida en el LP “Try It” de Standells , de 1967, compuesta por su manager, Ed Cobb .

Una de las canciones más populares del bluesman de Minnesotta Tommy Johnson es “Canned Heat Blues”, tema cuyo título sirvió para dar nombre a la popular banda de acid-blues californiana Canned Heat a mediados de los sesenta.
 
 Tras la separación de la Velvet Underground, Doug Yule (que había reemplazado a John Cale) editó bajo el mismo nombre el LP “Squeeze” (1973) sin ninguno de los miembros originales y con críticas horrorosas. no considerándose un trabajo oficial de la banda. Ya sabrán por tanto, qué grupo tomó el título de este disco “bastardo” para bautizarse.

Uno de los álbumes que empezaron a sentar las bases de la música electrónica fue “Magnetic Fields” (1981) de Jean Michael Jarre. Ese fue el nombre elegido por el polivalente Stephin Merrit para dar vida a su proyecto iniciado en 1990.

El revivalismo del garage-rock tuvo uno de sus principales bastiones en Miracle Workers, surgidos en Portland en 1982. “I Ain’t No Miracle Worker”, canción de la cual tomaron su nombre, es uno de los clásicos más significativos de lo que representa la música garage y fue versionada por grupos como The Brogues o Chocolate Watch Band, e incluso fue número 1 en Italia.

MIracle Workers

Miracle Workers, mirando hacia atrás sin ira

 

Uno de los estandartes del brit-pop surgido durante los años 90, Suede , deben su nombre a la influencia reconocida de los Smiths y, más en concreto, de su líder Morrisey , en  cuyo single de debut, “Suedehead”, se inspiraron Brett Anderson y compañía para denominar a su banda.

Siguiendo con combos británicos, Madness revitalizaron la música ska homenajeando a uno de los padres del género, Prince Buster , quien compuso la canción homónima durante los años sesenta.

Procedentes de Edimburgo y banda de corta vida, Fire Engines surgieron cuando el punk daba sus últimos coletazos y publicaron dos álbumes en 1980 y 1981. El origen de su nombre está en una canción del primer y soberbio disco 13th Floor Elevators , titulada, obviamente, “Fire Engine”.

The Waterboys , el vehículo de expresión de Mike Scott, nació en 1981 tomando su nombre de una línea de la canción “The Kids”, del álbum  maestro “Berlin” de Lou Reed , en la que afirma “And I am The Water Boy…”.

La banda liderada desde Oxford por Thom Yorke, Radiohead, le debe su nombre a una canción  del disco “True Stories” de Talking Heads , lanzado en 1986.

Aunque no guarda mucha relación el estilo desarrollado por el grupo con el de la canción con cuyo nombre se bautizan, Nine Below Zero tomaron el título de una canción de Sonny Boy Williamson para surgir durante el nacimiento de la new-wave londinense.

El grupo donde Neneh Cherry comenzó su carrera a los 17 años junto a ex-miembros de The Pop Group fue Rip, Rig And Panic , un experimento con el que grabó tres álbumes. El nombre del grupo está tomado del título de un Lp del saxofonista Roland Kirk de 1965.

Caso curioso en la composición de un nombre de grupo se da en Pink Floyd . A diferencia de los anteriores ejemplos, ellos no tomaron prestado el nombre a ninguna canción, sino que proviene del nombre de pila de dos bluesmen no muy conocidos, Pink Anderson y Floyd Council . En este caso, la procedencia del nombre no va asociada en ningún caso al estilo desarrollado por la banda.

De tal palo tal astilla

Vamos a hacer hoy una revisión dinástica sobre padres e hijos en el mundo del rock, que no es que sean pocos los casos precisamente. De hecho, ahí está el refrán que le da título al artículo, pero que no siempre se cumple, como veremos a continuación y como podréis juzgar todos vosotros.

En 1940 venía al mundo Nancy Sinatra, hija de la Voz. 26 años después, y gracias a su colaboración con Leo Hazlewood y a un puñado de versiones de Beatles y Rolling Stones, pasaba a la historia como la intérprete de “These Boots Are Made For Walking”, derrochando estilo y glamour. También son reconocidos sus duetos junto a su padre. Otra artista, de color esta vez, que realizó varios duetos junto a su padre en la misma época fue Carla Thomas, antes de grabar seis álbumes en solitario y otro junto a Otis Redding, y dejar canciones como “BABY”, “Tramp” o “Let Me Be Good To You”. A quien no le dio tiempo casi de grabar con su padre fue a Natalie Cole, ya que nació en 1950 y su padre, Nat “King” Cole, moriría 15 años después, antes de que Natalie publicara su primer disco.

rufus thomas -carla thomas

Rufus y su hija, Carla. Sin complejos.

 

No son sólo chicas las que se deciden a continuar la obra de su padre. Jakob Dylan milita hoy día en The Wallflowers, banda con la que ha publicado cuatro discos, desligándose de la senda abierta por su padre. El hijo de Frank Zappa, Dweeil, enfiló su carrera por una arista mucho más dura que la de su padre, pero no ha llegado siquiera a hacerle sombra a la gran obra de Frank. Quien intentó verdaderamente acercarse a su padre fue el hijo que John Lennon tuvo con su primera mujer, Cynthia. Julian Lennon publicó en 1984 su álbum “Valotte”, bien acogido por crítica, pero fue desinflándose a partir de ahí, desarrollando una silenciosa carrera en las décadas de los 80 y 90. Con menos pretensiones que Julian, llegó su hermanastro Sean (hijo de John-Yoko) al mundo de la música en los años 90. Creó el grupo de noise-rock IMA, y, paralelamente ha sido bajista de Cibo Matto.

Fiction Plane es una banda reciente liderada por el hijo mayor de Sting, Joe Sumner, con cuatro  elepés publicados hasta la fecha. En lo que llevo escrito hasta ahora ninguno de los hijos ha hecho sombra al padre ni remotamente. Quien sí lo ha conseguido es Albert Hammond Jr. Al frente de los Strokes  han conseguido llegar a las listas de éxitos y convertirse en una de las bandas de referencia mundiales y, aunque no viví a fondo el boom de  Albert Hammond en los 70, creo que ha superado ya en popularidad a su padre, y aún tiene muchos años por delante para dejarle de rueda.

Albert Hammond

Si Internet no miente, ahí tenemos a los dos Albert Hammond

Entre aquellos hijos de músicos famosos que han seguido fielmente los pasos de su padre, cabe citar a Hank Williams Jr, que, desde la década de los 60 se dedicó a difundir el inmenso legado que dejó su malogrado padre en 1953 en el asiento trasero de un Cadillac. Otro continuador de la obra de su padre es Femi Kuti, hijo del rey del afro-beat nigeriano Fela Anikulapo Kuti, fallecido en 1997 tras ser uno de los grandes introductores desde los años 70, del sonido africano en la escena pop mundial.
 
Mención aparte merece la familia de Ravi Shankar, el maestro indio del sitar. Su hija Anoushka lleva desde 1998 perpetuando los sonidos de su padre, fusionándolo con raga y experimentando sonidos. Su otra hija, Norah Jones, fue récord de ventas con su segundo álbum “Come Away With Me”, de corte jazzístico –desligándose de la psicodelia-hindú paterna-, en 2002. Y, aunque no sea vástago de Ravi, también su sobrino Ananda Shankar ha seguido su estela desde los años 70.

Marcadas por la tragedia han estado las vidas de Tim y de Jeff Buckley, padre e hijo respectivamente. El que fuera gran cantautor psico-folk en plena efervescencia hippy moriría de una sobredosis en 1975. Antes de eso, en 1966, tuvo tiempo de engendrar a Jeff, que inició a mediados de los 90 una prometedora carrera antes de morir ahogado en el Mississippi a la edad de 30 años.

Del primer matrimonio de Johnny Cash, con Vivian Liberto, nació en 1956 Rosanne Cash. Aunque tras la separación de sus padres se fue a vivir con Vivian, crió muy influenciada por la música que hacía su padre. Desde 1979 y hasta nuestros días ha publicado más de una decena de discos, casi siempre bien acogidos por la crítica.

Tim y Jeff, trágicos destinos

Tim y Jeff, trágicos destinos

 
 

Uno de los padres de la música folk norteamericana, Woody Guthrie, nació en 1912 y dejó tras de sí un buen número de canciones que aún hoy siguen vigentes. Uno de los encargados de continuar su obra ha sido su hijo Arlo, nacido en 1947, mundialmente conocido por su canción “Alice’s Restaurant”. Los dos han mantenido una fuerte actividad social y política desde sus canciones.

Otras sagas a mencionar: Whitney Houston, hija de Cissy Houston, cantante soul de principios de los 70; los Otis: Johnny, el multiinstrumentista y polifacético músico de blues y r’n’r, y su hijo Shuggie, reputado guitarrista de blues; Nona Gaye, la hija de Marvin Gaye tiene también un trabajo discográfico en el mercado, datado en 1992, aunque últimamente parece más enfocada a su carrera como actriz (“Ali”, “Matrix” (segunda y tercera parte)).

Dios los cría…

…y ellos se encuentran. Ese es el caso de algunas de las parejas que ha dado el mundo del espectáculo, en concreto el Pop. La estabilidad y duración de este tipo de matrimonios casi nunca perduran, bien por la muerte de alguno de los cónyuges, bien por tempranas o tardías desavenencias. Pero, mientras duran, proporcionan más glamour, si cabe, a todo este mundo.

En el caso de parejas sesgadas por el fallecimiento de algunos de sus célebres componentes podemos citar, por ejemplo a Kurt Cobain, quien, en 1992, en la cima de su carrera, contrajo matrimonio con Courtney Love, actriz y componente de Babes in Toyland y posteriormente de Hole. Dos años después de celebrarse este idílico matrimonio entre estrellas guapas y jóvenes, Cobain se pegó un tiro en su casa, dejando a Frances Bean Cobain huérfana de padre.

Una de las parejas que más me han gustado fue la formada, desde 1980, por Patty Smith y Fred “Sonic” Smith, componente de los fieros MC5 y líder de la Sonic Rendezvous Band, al que conoció en una visita a Detroit. El final de esta pareja no fue tan traumático como el de las dos anteriores. En los últimos años de la década de los 80, la salud de Fred se fue deteriorando, y el 9 de noviembre, un fallo cardíaco puso fin a su vida y a su matrimonio.

Patty y Fred

Patty y Fred

Si atendemos a parejas separadas por incompatibilidades, podemos citar al matrimonio formado por Ike Turner y Anna Mae Bullock, alias Tina, desde 1958 hasta 1976, año en el que, harta de abusos psíquicos y físicos, Tina se divorció poniendo fin a una exitosa carrera marital. Podemos fijarnos también en el romance que mantuvo Mick Jagger durante la década de los 60 con Marianne Faithfull, cantante que se dio a conocer precisamente con “As Tears Go By”, de los Stones. A principios de los 70 se desmoronó su relación y Marianne se acercó peligrosamente a las drogas. En esta década tenemos dos claros ejemplos de banda-matrimonio-ruptura. El primero de ellos lo constituyen Sonny & Cher, emparejados y casados desde el 64 al 74, publicando una decena de discos. El segundo, Delaney and Boney, con los cuales tocó Eric Clapton a finales de los 60. Se casaron en 1967 y grabaron un buen número de discos desde 1969 hasta 1972, año de su ruptura. Por esa época precisamente, en 1973, contrajeron matrimonio el actor y cantante country Kris Kristofferson con Rita Coolidge. Esta había acompañado vocalmente a Eric Clapton, Leon Russell y, principalmente, a Joe Cocker antes de iniciar su carrera en solitario. Juntos publicaron tres álbumes antes de divorciarse en 1979. Un año antes, Chrissie Hynde, al frente de Pretenders, había versionado “Stop your sobbing”, de The Kinks. En 1980, conoció al autor de dicho tema, Ray Davies, de quien tuvo un hijo. En 1984, sustituyó al líder de los Kinks por el líder de Simple Minds, Jim Kerr, con quien contrajo matrimonio, unión que duraría hasta 1990. Un caso similar al de Chrissie Hynde observamos en la compositora y cantante country-folk Victoria Williams, quien se casó por primera vez a principios de los 80 con Peter Case, ex – componente de los Nerves y líder de los Plimsouls, para divorciarse en 1989. Después contraería matrimonio con su actual pareja, el ex – Jayhawks Marc Olson, con quien formó en 1997 “The Original Harmony Ridge Creekdeepers”, un trío de ambiente country folk.

Si seguimos por el mismo palo(country) podemos hallar más matrimonios célebres. En 1993 tuvo lugar el enlace entre entre Stacey Earle y Mark Stuart. Ambos se conocieron en Nashville y, tras un breve paso de Mark por The Dukes , la banda de Steve Earle, comenzaron a grabar como dúo. El tercer marido de June Carter fue Johnny Cash, en 1968. June provenía de una familia de músicos ( The Carter Family) y había estado de gira con Elvis Presley antes de unirse al show de Johnny Cash. Ella lo rescataría de su adicción a las drogas y co-escribiría “Ring Of Fire”, clásico que Johnny Cash llevó a lo más alto de las listas. A partir de los 70 se alejó del mundo de la música. En mayo de 2003 moría June, y cuatro meses después lo hacía Johnny.

Las correrías sentimentales de Elvis Costello también están protagonizadas por chicas del mundo de la música.  El de Liverpool produjo en 1985 el LP de The Pogues “Rum Sodomy and the Lash” y un año más tarde se casaba con su bajista, Cait O’Riordan, quien abandonaba el grupo para acompañar a Elvis. Dieciséis años duró su acompañamiento, porque a finales de 2003 Elvis Costello anunció su compromiso de boda con una de las nuevas figuras del jazz vocal, Diana Krall, con quien contrajo matrimonio el 11 de diciembre del mismo año. Si quieren saber más acerca de su ruptura y re-enamoramiento, oigan “North”.

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Elvis y Cait, en tiempos de amor

El intérprete de la famosa “You’ve got a friend”, James Taylor, estuvo casado durante once años con la autora de “You’re so vain”,  Carly Simon, con la cual grabó varios duetos y formaron un matrimonio de sensibilidades musicales parecidas. Su unión se celebró en noviembre de 1972 y a principios de los años 80 el matrimonio empezó a hacer aguas, hasta su definitiva separación en 1983.

En 1979, el segundo batería de The Banshees fue reemplazado por Budgie (Peter Clarke). Entre él y Siouxie empieza a surgir una afinidad que les lleva, primero, a formar una banda paralela – The Creatures – en 1981, y, segundo, al altar en 1991.

Matrimonio duradero esel formado por Tom Waits con la escritora y actriz Kathleen Brennan, a la que conoció mientras escribía la banda sonora de “One From The Heart”, de Francis Ford Coppola. A lo largo de todos estos años, Kathleen ha ejercido de productora, percusionista y guitarrista ocasional en un buen puñado de discos de su marido, amén de ser el faro que encarrila sus titubeantes pasos. Otro matrimonio que aún sigue vigente en el momento de escribir estas líneas es el formado por Jon Spencer y Cristina Martínez, quienes se conocieron en Pussy Galore y actualmente comparten protagonismo en Boss Hog, combo paralelo a la Jon Spencer Blues Explosion. Curioso es el matrimonio que da vida al dúo Womack & Womack, que tuvo su mayor cota de popularidad a mediados de los 80. Él, Cecil Womack, es hermano de Bobby Womack, con el cual formó parte en The Valentinos, que fueron de gira con Sam Cooke; y ella, Linda Womack, es la hija de Sam Cooke, precisamente.

Bueno, si no resumo un poco no acabo nunca este artículo, así que mencionaré de paso otros matrimonios musicales famosos: Richard Thompson y Linda Peters, Les Paul y Mary Ford, John McVie y Christine Perfect ( Fleetwood Mac ), Ira Kaplan y Georgia Hubley ( Yo La Tengo ), Mark E. Smith y Brix Smith ( The Fall) …

Asesinos

En el artículo de hoy haremos un recorrido a través de aquellas personas relacionadas con la música que se han convertido en asesinos o se han visto envueltos en casos de homicidios. En algunos de ellos su culpabilidad ha sido manifiesta y en otros planea la sombra de la duda.
 
 Para empezar, uno de los casos de homicidio más conocidos en el mundo del rock, del cual se ha rodado un largometraje. Sid Vicious llevó sus premisas de ídolo punk –anarquía, drogas, violencia, nihilismo- hasta sus últimas consecuencias, acabando con su vida y la de Nancy Spungen, su novia. El 12 de octubre de 1978, despertó en la habitación del Hotel Chelsea de Nueva York y descubrió a su novia muerta en el baño de una cuchillada. Aunque no recordaba nada de lo sucedido, confesó a la policía su crimen. Después de que Virgin pagara su fianza, intentó sucidarse con una cuchilla y fue detenido de nuevo por agresión, hasta que el 1 de febrero de 1979, a los 21 años, murió de sobredosis de heroína proporcionada por su madre.

Sid Vicious Ficha Policial

Carne de presidio

Otro caso parecido lo protagonizó años antes el que fuera trombón y fundador de los Skatalites , Don Drummond. Aquejado de brotes maníaco-depresivos, fue arrestado el día de año nuevo de 1965 por asesinar de varias puñaladas a su novia, una bailarina exótica. Fue declarado legalmente insano y recluido indefinidamente en el Bellevue Hospital, donde encontró la muerte en 1969 a la edad de 37 años. Oficialmente, su muerte se anunció como un suicidio, aunque las causas nunca fueron esclarecidas totalmente.

Los dos casos que vienen a continuación no están protagonizados por músicos, sino por productores, coetáneos además. El que fuera productor, con métodos avanzados a su tiempo, de grupos como los Tornados (del cual fue miembro) , Honeycombs , o Screamin’ Lord Sutch , comezó a padecer depresión a mediados de los años 60. El 3 de febrero de 1967 disparó contra su casera y luego se suicidó. Joe Meek siempre estará a la sombra del siguiente protagonista, Phil Spector. Este marcó un nuevo camino en el pop en la década de los 60 al construir su famoso “muro de sonido”, patente en sus producciones para las Crystals o las Ronnetes , amén de haber trabajado con gente como Elvis Presley, Ramones, Beatles, Rolling Stones o John Lennon . Pero el motivo por el que aparece en este artículo es que en febrero de 2003 fue arrestado por la policía al encontrar muerta a tiros a la actriz Lara Clarkson en el interior de su mansión de Los Angeles. En mayo de 2009 fue declarado culpable y sentenciado a 19 años de prisión.

Ficha policial Phil Spector

Sonría, Phil (como mal menor)

Una de las primeras leyendas del blues forjó gran parte de carrera cantando en las penitenciarías de Estados Unidos. Nos referimos a Leadbelly, quien, en 1917 fue arrestado por disparar contra un hombre y fue sentenciado a estar 30 años en la Shaw State Prison Farm de Texas. Allí se hizo uno de los presos más famosos y, gracias a una actuación para el gobernador Pat Neff, consiguió el perdón en 1925. Cinco años más tarde volvió a las andadas y fue sentenciado a otros 30 años por intento de asesinato. De nuevo obtuvo el perdón gracias a la mediación del historiador musical John Lomax. Fue el primer músico de blues americano en actuar en Europa.
 
Little Willie John fue el creador de Fever, canción que ensalzaría la carrera de Peggy Lee o, en menor medida, Elvis Presley. Su carrera como cantante de R&B nunca ha sido valorada a la altura de nombres como Sam Cooke o Jackie Wilson, pero, durante los años 60 y finales de los 50 dejó su impronta en temas como el mencionado “Fever”, “Leave my kitten alone” o “Need your love so bad”. Se corría el rumor de que llevaba siempre una pistola, incluso en sus actuaciones. En 1966 le clavó un puñal en el pecho a Kevin Roundtree – quien le acababa de golpear -, matándole, por lo cual fue condenado a prisión, donde murió dos años después de un ataque al corazón.

Little Willie John

El pequeño Guillermín, malas pulgas

A finales de los años 70, en plena efervescencia disco-funk, los cuatro hermanos Troutman crean Zapp , en Ohio, influenciados por grupos como Ohio Players o los enormes Parliament . La carrera de Zapp y de Roger Troutman en solitario se vio sesgada en 1999 por un trágico suceso. El 25 de abril fue encontrado el cuerpo de Roger Troutman fuera del estudio de grabación, con varios disparos. El cuerpo de su hermano Larry fue descubierto en el interior de su conche con un disparo en la cabeza, lo que indicaba un claro caso de asesinato-sucidio. 
 
Todos habréis oído “Leyla” , de Derek And The Dominoes . Lo que no todos sabréis es que como co-autor figura uno de los más activos baterías de estudio de la década de los 70, Jim Gordon –su batería figura en álbumes de George Harrison, Frank Zappa, Tom Waits, Joan Baez…-. Y lo que es más desconocido aún es que Jim Gordon fue sentenciado en 1984 a 16 años de cárcel por haber asesinado un año antes a su madre. Jim Gordon sufría serios problemas mentales, posiblemente esquizofrenia, que le hacían oír voces. Estos problemas se agravaron hacia 1981 hasta el punto de imposibilitarle para la música. Una de esas voces le ordenó en 1983 matar a su madre. Jim siguió su dictado.

Acabaremos con un rapero. Snoop Doggy Dog (Calvin Broadus), fue acusado junto a su guardaespaldas del homicidio de Phillip Woldermarian en Los Angeles el 25 de agosto de 1993. Se trasladaba de la ficción a la realidad el mensaje de su obra. Él alegó que fue un acto de defensa propia. El juicio se celebró en 1996, y Snoop Doggy Dog fue absuelto de todos los cargos.

 

Apellidos en el nombre

[Con este artículo empiezo la recuperación de una serie de artículos que escribí hace años, y que quedaron en el limbo con la migración de carleso.com hace unos meses. Y como sé que os gusta releeros de vez en cuando (…), los iré publicando en forma de posts. No me déis las gracias.]

El apellido ha constituido una seña de identidad por antonomasia. Quizá por esta razón, muchas bandas han pasado a la historia nominándose con el apellido de uno de sus miembros –generalmente el líder-, o con el conjunto de apellidos de varios de ellos. Vamos a revisar algunos de los muchos grupos con esta característica.

Bajo el nombre de Santana , el genial guitarrista Carlos Santana aglutinó a una numerosa banda que comenzó a consolidar, a finales de los 60, los cimientos del futuro rock latino, y a la percusión como un elemento más del rock. Es un ejemplo clarísmo de banda, numerosa, denominada por el apellido de su líder. En la misma tesitura, aunque afrontando un estilo musical muy diferente, hallamos tambien a Van Halen , aunque en este caso el liderazgo sea compartido entre el guitarrista que da su apellido a la formación, Eddie Van Halen, y el vocalista David Lee Roth. Durante la década de los 80 principalmente, Eddie Van Halen puso su talento a cargo del heavy rock más melódico, creando escuela para futuros virtuosos como Yngwee Malmsteen.

Van Halen

¡Salta!

Entre los grupos de incipiente hard-rock puramente americano que surgieron a principios de los años 70 se sitúan Montrose . El nombre del grupo se corresponde con el apellido de su líder, el guitarrista Ronnie Montrose, quien grabó cuatro discos al frente de su banda desde 1973 hasta su desaparición en 1976 . Ya más en nuestros tiempos, el dúo formado por Allison Goldfrapp y Will Gregory, Goldfrapp , han situado su obra entre lo mejor del trip hop y de la electrónica.

Aunque comenzaron su andadura en 1964, el grupo de los hermanos Tavares consiguió el reconocimiento internacional con “Heaven Must Be Missing An Angel” en 1976, llegando al número 3 de las listas de éxitos. Tavares fue uno de los grupos de cabecera durante la fiebre disco de la década de los 70. Apunten en esta sección nombres de grupos como The Carpenters o The Corrs , basándose ambos en el apellido de sus componentes (los dos Carpenter y los cuatro Corr ). Formando parte de la nómina de la legendaria Stiff Records, Tenpole Tudor fue (y es) la banda del británico Edward Tudorpole, un actor de cine metido a cantante al amparo del todo-vale durante la explosión punk a mediados de los 70. Aunque llegaron a grabar un par de discos a principios de los 80, Eddie centró su carrera en la interpretación, reuniendo la banda esporádicamente.

Tenpole Tudor

Tenpole Tudor, a ver si los oímos un día de estos

Utilizando los apellidos de varios de sus componentes para nombrar al conjunto también hay multitud de ejemplos en el pop. De las rupturas de Buffalo Springfield, The Byrds y The Hollies surgieron Crosby, Stills, Nash & Young , tomando los apellidos de sus cuatro figuras. En este caso, ninguna podría o querría quedar al margen en el nombre de una de las más relevantes formaciones del country-folk-rock americano surgidas a finales de los 60. Imperdonable sería obviar, en la misma época, a la pareja formada por Paul Simon y Art Garfunkel, el más exitoso duo de folk de la década de los 60. Simon & Garfunkel crearon álbumes memorables y canciones inolvidables entre 1964 y 1970. En Emerson, Lake & Palmer también se daban cita tres grandes nombres del pop. Keith Emerson, teclista, provenía de The Nice; Gregg Lake fue bajista de King Crimson en sus dos primeros discos, a los que abandonó en 1969, y Carl Palmer se había sentado a la batería en bandas como The Crazy World of Arthur Brown . Juntando sus tres apellidos, dieron lugar a uno de las primeras super-bandas de rock progresivo. Después de su separación en 1979, Emerson y Lake formaron, en la década de los 80, la breve aventura Emerson, Lake & Powell , con Cozy Powell (Black Sabbath, Rainbow…) a las baquetas, publicando un solo LP en 1987.

Otra super banda fue la que se inició accidentadamente a principios de los setenta de la mano de Jeff Beck, Tim Bogert(bajo) y Carmine Appice (batería). Estos dos últimos venían de Vanilla Fudge y junto a Jeff Beck formaron Beck, Bogert & Appice . El proyecto se paralizó por el accidente de coche que sufrió Beck, lapso en el cual Bogert y Appice formaron Cactus . Tras la recuperación del guitarrista prosiguieron su proyecto en 1973 y lanzaron un álbum homónimo.La sección rítmica de Fleetwood Mac fue la que dio nombre a la banda en 1967, tras salir por patas de la John Mayall Bluesbreakers . Mike Fletwood a la batería y John McVie al bajo salieron junto a Peter Green de la banda-escuela de Mayall para crear su propio sonido libres de la tiranía del maestro, y utilizaron sus apellidos para bautizar su nueva banda.

Fleetwood Mac

Utilizando los apellidos de dos de sus componentes se fraguó la banda canadiense Bachman-Turner Overdrive , en concreto de Randy Bachman y de C.F. Turner . Fue un grupo de notable éxito sobre todo en norteamérica en la primera mitad de la década de los 70. Más o menos en esa época se creaba Godley & Creme , banda de rock progresivo formada por dos ex – 10cc , Kevin Godley y Lol Crème, que se mantuvo en activo hasta finales de los años 80.

También por dos apellidos está formado el nombre de los tres grupos con los que cierro el artículo. Uno de ellos ya aparece en el artículo dedicado a compositores, Ashford & Simpson, quienes, aparte de componer para otros, lanzaron su propia carrera como intérpretes de música disco y soul en 1973, y que se prolongaría por dos décadas. También cabe reseñar reseñar un dúo que operó principalmente en las décadas de los 70 y 80 con una pinta horrorosa, Hall & Oates , formado por Darry (Hall) y John (Oates), elaborando una música destinada al público adulto, una especie de soul suave, lo que le reportó una serie de números uno en las listas americanas y un buen puñado de discos de oro y de platino. Allí, en USA. De donde provienen también nuestros últimos invitados, el dúo de electro-pop  formado por los neoyorkinos Warren Fischer y Casey Spooner. Su nombre… Fischerspooner . Que conste que he elaborado este artículo obviando aquellos grupos que contienen la palabra “Brothers” o “ Sisters ” en su nombre, ya que ello haría una lista interminable de bandas (Chambers, Pernice, Isley, Allman, Sledge, Pointer….) y, además, este artículo no tendría gracia.

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The Bellrays en Sevilla

Rock and roll es, por ejemplo, convertir un lunes en un sábado (y más mérito tiene eso en Sevilla que en Madrid por ejemplo). Es decir “One two three four”, o ¿qué pasa?, que no se pierdan las buenas costumbres. Es comentar con tus colegas “joder, pues la voz no suena todo lo fuerte que debería, está descompensada con el bajo”, y que te dé igual justo al acabar la frase. Es mostrar los cuernos al público (con moderación, claro: a una media de 5 cuernos/hora todo va sobre ruedas. Entre 10 y 20 cuernos/hora ya se cae en el o’funkillismo. Y más de 50 cuernos/hora está reservado al Viñarock y semejantes).También es meter la palabra “Voodoo” en alguna canción. Y si esa canción suena tan potente como “Voodoo Train” date por satisfecho. Es saber que tienen cabida The Stooges, Berry Gordy, MC5Curtis Mayfield en un mismo set. Es bajarse del escenario y mezclarse a sudar con el público (y si el público está sudado es una estupenda señal).

Pues eso es, en resumidas cuentas, la ración que nos dieron The Bellrays, pelambrera en ristre, en Sevilla. Un lunes, repito. Agitaron la decaída escena rockera sevillana (más o menos como nos tildó, y con razón, Fernando Pardo con Sex Museum en la misma sala hace un par de años) (aunque a decir verdad, había algún fichaje de otras provincias, incluso algún planetario célebre), que respondió a la llamada y se portó como la banda, de menos a más (para poner en funcionamiento la maquinaria de Lisa supogo que hace falta un buen calentamiento), de tibio soul-rock moviendo la cabeza a un “Highway To Hell” cercano al pogo.

Acabó el concierto, acabaron los bises, se apagaron los amplificadores y de repente se hizo lunes, y la sala se quedó despejada en cuestión de minutos. El rock and roll es mágico, pero no te paga la nómina. Al menos a mí.

Elvis, el Rey, está vivo (Elvis Costello en La Rábida)

Y lo demostró el viernes en el Foro Iberoamericano de La Rábida, en Palos de la Frontera.

 

En su enésima encarnación, Elvis Costello se plantó en el escenario del Foro – ante unas 700-1500 personas (y Raphael con las entradas agotadas desde hace semanas) y 2.200 mosquitos -, acompañado de los Sugarcanes, una banda de seis músicos, sin batería: guitarra, contrabajo, acordeón, dobro (el alma instrumental de la banda), mandolina y violín. Obviamente, con este envoltorio, Elvis no venía a España a flirtear con el jazz, ni con el soul, ni con la música de cámara. En esta ocasión venía como "englishman in America", a homenajear la música de raíz norteamericana.

 

Era la tercer vez que me encontraba con Elvis, y esta vez tampoco pasaba por mi cabeza poder disfrutar del repertorio "Attractions". La primera, porque iba con el Brodsky Quartet; la segunda porque iba de "acompañante" de Allan Toussaint, revistiendo el setlist de soul pantanoso (aún así cayeron algunos clásicos). Y en esta ocasión no me esperaba más que una o dos recreaciones de cara a la galería de algún tema clásico de sus inicios, disimuladas en medio de un repertorio más bien folk y country.

 

Pero la cosa fue bien distinta. Elvis levantó de sus asientos a la audiencia y nos tuvo dos horas a base de temazos, de saber estar en un escenario, de saber cómo se escribe a mano el rock and roll, de conjugar un repertorio soberbio, al alcance de pocos hoy día.

 

Costello en La Rabida

Tocado con un sombrero blanco, que quedaría ridículo en cualquier otro músico del Planeta  – salvo en Bob Dylan quizá -, comenzó a jalear a la audiencia poco antes de las 23:00 con "Mistery Train", para luego tirar de repertorio propio (de eso entiende un rato, podría dar tres conciertos seguidos) y de versiones (Johnny Cash, Grateful Dead, Stones, George Jones, Beatles…), hasta rellenar dos horas exactas (ya no está acostumbrado uno a eso).

 

Sintiéndose cada vez más a gusto sobre el escenario, muy charlatán (nota mental: aprender inglés)  y bromista (a diferencia del concierto con Toussaint, hierático y un poco rancio), nos regaló dos bises  a una parroquia entregada, a los que ya había ganado con "Red Shoes", "New Amsterdam", "Blame It On Cain", la electrificada e hipnótica "The Delivery Man", o una de las mejores canciones de desamor que se han escrito, "Alison" (después de "Hang Down Your Head" a manos de Tom Waits en Barcelona, el momento en directo más emocionante en mi carrera como espectador) . Mejor dicho, "Alison" + "The Wind Cries Mary". Otro guiño más del maestro.

 

La traca final no tuvo desperdicio: "She", "I want you", "Everyday I Write The Book", "(What’s son funny about) Peace, Love and Understanding" (si ALGUIEN no conoce estas canciones debería hacerse con ellas YA  y escucharlas), para acabar rindiendo tributo a Keith Richards y su "Happy", y ponerse en modo 2.0 para pedir la colaboración del público en la última de la noche, "Sulphur to Sugarcane". Para entonces, los mosquitos ni se atrevían a picar a los humanos, en un gesto de respeto a la obra maestra de uno de ellos.

 

Aún así, se pone uno a pensar en lo que se dejó en el tintero y es para echarse a temblar: "Oliver’s Army", "God Give Me Strength", "Shipbuilding", "From a whisper to a scream",  "No action", "The other side of summer", "Accidents Will Happen", "Chelsea"….

 

PD: Saliendo junto al rebaño de espectadores, uno que iba detrás mía, que no habría visto a Costello en su vida (no digo ya en directo, sino en foto aunque sea) iba diciendo: "Es clavadito a Jamie Urrutia, pero con gafas". Alain Afflelou. Chin chin.

 

PD2: Mira  que no me gusta hacer crónicas basándome en el repertorio, pero es que…

¿Más vale tarde que nunca?

Pues sí y no.

 

Me refiero a The Sunday Drivers, que dieron su último concierto en el FIB el sábado, y yo los vi por primera vez en mi vida en su penúltimo concierto, en Fuengirola, el día 11 de julio. ¿Por qué no les he prestado más atención a este grupo? Aparte de oir algunos de sus temas más emblemáticos, nunca me dió por investigarlos, ni por verlos en directo.

 

Asombrado ante el nivel de su directo y de sus composiciones, le preguntaba a mi amigo Manuel, a mi lado en el concierto, y tan gratamente sorprendido como yo, cómo no los habíamos descubierto antes:

 

– Quiyo, ¿qué hemos estado haciendo todos estos años?

– Viendo a Wilco – fue su respuesta.

 

Empezaron el concierto sintiéndose honrados de tocar entre Sex Museum y Los Coronas, dando muestras de humildad, que es algo que me pone, aunque iban como cabezas de cartel. De hecho, el Castillo de Sohail se llenó para verles a ellos. Y luego repartieron temazos a diestro y siniestro, supongo que repasarían sus 4 elepés (2003-2009), tendiendo puentes magistrales entre música británica y música americana, y no es fácil armonizar esa mezcla, os lo digo yo.

  

Al final, en mi ya tradicional incursión en los camerinos, busqué a Jero y me quité el sombrero ante él, quien estaba siendo adulado a su vez por Miguel Pardo, de Sex Museum ("a ustedes os tengo muy vistos", le dije, cariñosamente)

 

Aqui abajo, la última canción del último concierto, en Benicassim, con invasión de escenario. Qué emotivo.

Deletreando

Todos hemos oído más de una vez y en más de una canción a su intérprete deletreando alguna palabra. En algunas es fácil reconocer cuando se produce este hecho, pero en otros temas hay que afinar el oído. Bueno, si sabes inglés a la perfección no costará trabajo alguno, supongo. En algunos casos son palabras deletreadas, y en otros suelen ser acrónimos, o sea, palabras formadas por las iniciales de las palabras que forman parte de ella (ej: MTV, CNN). Voy a obviar la referencia a canciones que aluden a T.V., o a L.A., o a U.S.A., para buscar deletreos más originales.

En el caso de deletrear una a una todas las letras de una palabra, a todos se nos vendrá a la cabeza el estribillo del “Gloria”, de Van Morrison, tantas veces versionada. Es un caso flagrante de este tipo de deletreos. Otra canción en la que también se produce este “fenómeno”, pero que no es tan palpable, al menos a mi oído, es “Respect, de Otis Redding (tantas veces versionada también). “R-E-S-P-E-C-T Find out what it means to me, R-E-S-P-E-C-T, Take care, TCB”. Curiosamente, también se nombran las iniciales TCB en este tema, aunque no sé a qué se refieren esas letras. Carla Thomas también se encargó de separar bien las letras de “Baby en su tema más popular, allá por 1966. Incluso el título de la canción formaba un acrónimo con las letras de esa palabra, B.A.B.Y.

En el caso de acrónimos que aparezcan en canciones tenemos mucho donde elegir. Los Pretty Things hicieron su particular homenaje al ácido en L.S.D. en el 67 psicodélico, y en su obra maestra S.F. Sorrow también aparecen dos iniciales, que corresponden a un nombre, Sebastian F. Sorrow. Así lo dice la letra de la canción. En muchas canciones de los Beatles también aparecen acrónimos  juegos de palabras. Sin ir más lejos, en Dig It¸en sus escasos 50 segundos, mencionan al F.B.I., a la C.I.A., a la B.B.C., a B.B. King… En fin, una buena forma de rellenar una canción. En “All Together Now, Paul Mc Cartney da un repaso a los números y a las letras del alfabeto, una por una, desde la A hasta la J. Otros dos acrónimos aparecen en “Back In The U.S.S.R. y en “P.S. I Love You, refiriéndose a la post data de una carta.

De los Beatles a los Byrds, siguiendo en la misma década. En la obra “Younger Than Yesterday”, de 1969, aparece un tema titulado “C.T.A.-102″, deletreado, lógicamente. Este título hacía referencia a las letras que aperecían en un supuesto objeto espacial descubierto a mediados de los 60. Era una época de muchas drogas.

De un tono bastante triste es la canción en la que Tammy Wynnete deletrea palabras relacionadas con el divorcio, y con la que consiguió gran éxito en 1968, “D.I.V.O.R.C.E”. En ella nos relata su temor a que se  consume el final de su matrimonio mientras intenta que su hijo de cuatro añitos (J-O-E) no se entere de qué va la película (C-U-S-T-O-D-Y, H-E-L-L…).

En el lado contrario a la ruptura, Nat King Cole ensalzó – gracias a Bert Kaempfert y Milt Gabler -, el amor en 1964, en el inmortal “L-O-V-E”, donde le dice a su chica que amor es todo lo que le puede dar (que no le pida dinero, pero amor, todo el que quiera).

Cambiando de estilo y avanzando una década, la época disco estuvo marcada por un grupo, Village People, y una canción, Y.M.C.A. (“uaiamsiei”), alabando las vitudes de una de las primeras ONG’s de la Historia, la Young Men’s Christian Association.

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Otra asociación, pero en el polo más opuesto de cualquier ONG fue el Ku Kluk Klan, que se llevó a la chica de los Ramones, cuya ausencia lamentaban en “The KKK Took My Baby Away, de su album  “Pleasant Dreams”, de 1981. En esa misma canción también se mencionan L.A. y el F.B.I..

Un año antes de todo esto, también Joe Jackson deletreó la palabra “BIOLOGY” en el tema del mismo nombre del disco “Beat Crazy”, intentando explicar lo que siente por las mujeres de un modo científico…

El fin de semana, ese nítido objeto de deseo de la mayoría de los mortales, también ha sido exaltado en numerosas canciones. En “W.E.E.K.E.N.D.”, el ecléctico dúo musical holandés Arling & Cameron, cantan ávidamente cada una de las letras de la mágica palabra, bajo un manto pop acústico, no precisamente el estilo más trillado por ellos.

 

 

Stacey Earle & Mark Stuart – Con la honestidad por bandera

La verdad es que no tenía pensado escribir sobre el concierto de Stacey Earle, la hermanísima, y Mark Stuart, pero parece que, después de lo de ayer, es como si estuviera en deuda con esta pareja, como si escribiendo esto les compensara un poco por el mal sabor de boca que nos dejó la presencia de sólo 32 personas en la Sala Obbio, en una ciudad con más de 700.000 personas, muchas de ellas rocieras.

Subieron humildes al escenario desnudo, cogieron sus guitarras y empezaron a hacernos olvidar que era miércoles, que había sido un día feo y lluvioso, que había que trabajar al día siguiente, y que me queda una tira de años para pagar la hipoteca.

Ella se calzó su sonrisa de gala, y él convirtió el silencio en armonía, mirando hacia ninguna parte. Cuales Gram Parsons y Emmylou Harris, o James Taylor y Carole King, recorrieron de la mano el folclore americano, con la seguridad de que no hay nada que hagan mejor en la vida. Somos de Tennessee, coño. Frágil ella, rudo en apariencia él, tocaron como si no cupiera ni un alma en la sala, pasaron del country al pop, del ragtime al folk, sin alardear de su maestría (sobre todo él a la guitarra, un decorador de exteriores impresionante).

Al final saltaron del escenario a mezclarse entre nosotros para interpretar una de las últimas, haciendo que la emoción se solidificase. Yo veía pasar a Stacey al lado mía con su cara de no haber roto un plato y no sabía si aplaudirla o prepararle un cola cao. Y como 30 personas emocionadas tocan las palmas muy fuerte, tuvieron que volver de nuevo después de finalizar para hacer un bis y versionar de paso “You ain’t goin’ nowhere”, de Dylan/The Byrds.

Luego departimos un poco con el matrimonio , le regalé mi púa a él (a ver si se le pega algo, jojojo) (mejor que no) y le compramos un CD a ella y nos fuimos a romper placas de gomaespuma.